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Oct 06, 2023

Les nuances de la chute de l'aiguille

Jean Kidwell

Jean Kidwell

Qu'est-ce qui fait une bonne bande son pop ?

"Pendant un moment, il semblait que vous voyiez toujours des films où toute la musique était déterminée par les superviseurs musicaux et leurs relations privilégiées avec certaines maisons de disques. Et je me suis juste dit:" Wow, je parie qu'ils ont passé des mois ou des années écrire ce scénario, et je parie qu'ils ont passé des mois à tourner ça, et je parie qu'ils ont passé des mois à éditer ça, et maintenant ils ne passent plus du tout de temps à choisir ces chansons complètement inappropriées avec des paroles à mettre sous une scène qui a dialogue."… Non seulement c'est un crime, mais c'est un crime de ne pas donner le travail à des gens qui sont doués pour faire de la musique pour des films. C'est comme dire : "Nous n'avons pas besoin de toi, même si tu es tellement meilleur que moi en tant que superviseur musical. Comme le cancer qu'est ce gars de Darjeeling… Son approche complètement cancéreuse de l'utilisation de la musique est essentiellement : « Voici mon iPod en lecture aléatoire, et voici mon film. Les deux sont juste jetés ensemble." —Will Oldham, Entretien avec AVClub

Une bonne chute d'aiguille est difficile à réaliser. De grands films comme Dazed and Confused et Goodfellas donnent l'impression que c'est facile. Regardez Randy "Pink" Floyd et le gang se promener dans l'Emporium sur "Hurricane" de Bob Dylan ou la découverte progressive de corps à la sortie du piano dans "Layla", et on pourrait être pardonné de penser qu'ils pourraient réussir quelque chose de similaire, si offert le coup. Mais même en mettant de côté l'incongruité inspirée de ces choix de bande sonore - une chanson de protestation mortellement sérieuse axée sur l'harmonica sur la fausse incarcération jouée lors d'une scène de fête d'adolescents, le magnifique mélange du piano de Jim Gordon et des guitares de duel d'Eric Clapton et Duane Allman posées sur un crétin mort culbutant dans un camion poubelle - le succès de ces séquences dépend principalement des monteurs qualifiés (respectivement, Sandra Adair et Thelma Schoonmaker) et de l'attention qu'ils portent au rythme - en ce qui concerne le montage (comment cette courte séquence est rythmée) et la narration ( comment l'histoire globale est rythmée et comment la séquence s'inscrit dans cette histoire).

Remarquez la façon dont Scorsese et Schoonmaker utilisent ces accords de piano d'ouverture, remontant la grille de la Cadillac rose, révélant lentement les cadavres derrière le volant, puis tournant vers la fenêtre du passager pour la punchline visuelle - un autocollant Monroney imbibé de sang - tout comme les guitares Comme travail de montage, c'est presque parfait : la façon dont "Layla" descend dans le mix pendant la narration de Ray Liotta puis remonte pour souligner certains repères visuels (Frankie Carbone suspendu figé dans un camion de viande, la voiture entrer dans le garage). Comme il s'intègre dans le reste du film, le montage fonctionne comme une sorte d'élégie pour Tommy (Joe Pesci), qui va bientôt disparaître. Plus encore que Tommy, c'est une élégie pour le romantique, l'honneur parmi les voleurs de la vision de la foule (incarnée par la ligne principale du film, racontée alors que Tommy embrasse sa mère et s'en va vers sa mort), une époque imaginaire où les gangsters étaient des hors-la-loi liés par un code et non des psychopathes qui assassinent leurs amis. Quand ce piano arrive, nous savons que c'est le début de la fin.

Pourtant, en dehors du travail de cinéastes comme Linklater et Scorsese (sans parler du maître de l'aiguille, Paul Thomas Anderson, qui trouve toujours de nouvelles façons surprenantes d'utiliser la musique pop dans ses films), les aiguilles signalent surtout un manque total d'imagination. Le récent film Super Mario Bros. est un film pour enfants au-dessus de la moyenne – un festin visuel de construction de mondes aux couleurs bonbon, avec une belle partition (si elle est sous-utilisée) qui interpole les thèmes Mario originaux de Koji Kondo – saboté par de mauvais choix de bande sonore. Oldham peut dire ce qu'il veut à propos de Wes Anderson, mais au moins Anderson ne choisit pas les favoris de Jack FM pour apaiser un parent imaginaire de la génération X. Avec des dizaines de jeux d'excellente musique Mario probablement à la disposition de Nintendo, pourquoi ces superviseurs musicaux doivent-ils dépenser encore plus d'argent pour obtenir des licences "No Sleep Til Brooklyn" (obtenez-le, car ils vivent à Brooklyn) ou "Take On Me" ? Comme une carapace de tortue sur le pneu, chacun de ces signaux musicaux fait dérailler le film. (Cela ne s'applique pas aux chansons originales écrites pour le film, comme la ballade au piano de Jack Black-as-Koopa à Peach, peut-être la seule fois de mémoire récente où un film pour enfants m'a fait rire.)

De peur que je ne sois un adulte fou de The Super Mario Bros. Movie, il est important d'ajouter que l'approche de la playlist Spotify en matière de supervision musicale n'est pas unique aux films pour enfants. Air, l'histoire d'origine d'Air Jordan de Ben Affleck, a adopté plus ou moins exactement la même approche que Mario : il se déroule dans les années 1980 (ou, dans le cas de Mario, basé sur un jeu des années 80), alors remplissez-le avec des succès des années 80, en particulier ceux qui ont été utilisés dans de bien meilleurs films, comme "Sister Christian" (Boogie Nights), "Computer Love" (Menace II Society), "Tempted" (Reality Bites) et "Time After Time" (Romy and Michelle's High School Reunion ). Des repères prolifiques conduisent le spectateur d'une scène à l'autre, comme si l'histoire était trop difficile à suivre sans ces panneaux. Le résultat de cette surcharge pop des années 80 ressemble à un mal de ventre. Au moment du générique, toute personne sensée voudra allumer du vieux delta blues ou Mozart ou de la musique noise, tout ce qui ne leur rappelle pas la permanente de Ben Affleck.

Pour autant de conneries que la télévision capte parmi mes pairs plus enclins à la cinéphilie, les meilleures séries sont souvent en avance sur la courbe dans leurs choix de bandes sonores. La musique pop a-t-elle prêté à n'importe quelle pièce d'époque du XXe siècle (à part celles de Martin Scorsese et Paul Thomas Anderson, naturellement) le même genre de texture qu'elle offrait à Mad Men ? (Parmi les nombreuses incroyables gouttes de clôture d'épisode de la série, aucune n'est peut-être plus mémorable que "Reach Out of the Darkness" de Friend & Lover, frappant juste après que Don et Megan reçoivent la nouvelle de l'assassinat de RFK, assis au bord de leur lit dans l'un des tableaux de marque de la série.) Malgré ce que dit Oldham à propos des chansons jouées en arrière-plan pendant que les personnages parlent, je ne peux pas imaginer la scène hors concours de la saison six de The Sopranos, où Carmella (Edie Falco) en larmes lui parle mari comateux, sans Tom Petty et "American Girl" des Heartbreakers à faible volume en arrière-plan, le solo de guitare culminant tout comme son monologue crescendos de la même manière. Pour un exemple plus récent, "Hold My Hand" de Hootie and the Blowfish jouant bas sur le système audio, tandis que Barry (Bill Hader) achète une arme à feu comme si c'était un morceau de saccadé, n'est qu'un exemple de la raison pour laquelle Barry est plus drôle que fondamentalement n'importe quel film de la dernière décennie.

Le genre de musique diégétique trouvé sur Barry et les Sopranos n'est pas totalement absent du cinéma moderne. Deux de mes films préférés des cinq dernières années ont organisé des soirées cinématographiques autour de leurs bandes sonores pop étendues. Bloody Nose, Empty Pockets, largement improvisé par Turner et Bill Ross, est comme Dazed and Confused pour les barflies d'âge moyen, relatant la soirée de clôture d'un bar de Las Vegas au rythme de son juke-box. La vaste bande-son diffère de la surcharge pop d'Air principalement par son manque de calcul et sa résistance à un thème ou à une période spécifique. Vous avez l'impression que chaque choix de chanson est le résultat d'un choix de juke-box d'un membre de la distribution ou de l'équipe. Tout, des Eagles à Gucci Mane en passant par Kool & the Gang et Sophie B. Hawkins, obtient une rotation, parfois uniquement pour de brefs extraits avant que le film ne passe à une autre scène / chanson. (Je n'ai aucune idée si / comment ils ont autorisé toute cette musique.)

C'est aussi beaucoup plus amusant que Air, ou à peu près n'importe quel film récent. Je me souviens avoir regardé Bloody Nose, Empty Pockets pendant la quarantaine, alors que je ne pouvais pas assister à des fêtes en personne, et c'était la meilleure chose à faire. On pourrait en dire autant de Lover's Rock, le deuxième volet de la série Small Axe de Steve McQueen, qui dépeint une fête à la maison au début des années 1980 dans l'ouest de Londres. La bande originale est presque entièrement composée du sous-genre du reggae romantique dont le film tire son titre, mais une fois que tout le monde dans la fête est bon et défoncé, les DJ lancent un petit dub. Lover's Rock est une chose rare, un film sur l'expérience noire qui écarte la lutte et permet à ses personnages de vivre une joie sans mélange, même si cette joie est constamment menacée à la fois de l'extérieur et de l'intérieur. Quand on voit la basse tremblante de "Minstral Pablo" d'Augustus Pablo rebondir sur les murs - visiblement dégoulinant de condensation - c'est l'idéal platonique d'une goutte d'aiguille pop : pas une béquille narrative, pas l'idée d'un superviseur musical de ce que les démos clés veulent entendre , mais un moyen de donner de la texture, de la sensation et du sens aux images à l'écran.

Voici 10 films des cinq dernières années qui, selon moi, utilisent efficacement la musique pop :

—Antre des voleurs (2018, Christian Gudegast)

— Milieu des années 90 (2018, Jonah Hill)

—Sous le lac d'argent (2018, David Robert Mitchell)

—L'Irlandais (2019, Martin Scorsese)

—Il était une fois à Hollywood (2019, Quentin Tarantino)

—Nez sanglant, poches vides (2020, Bill et Ross Turner)

- Le rocher des amoureux (2020, Steve McQueen)

—Pizza à la réglisse (2021, Paul Thomas Anderson)

—Red Rocket (2021, Sean Baker)

—Après-soleil (2022, Charlotte Wells)